松菊图 郑晓京 作
题画诗释文：
落尽千花菊始芳，飘空万叶见松苍。
霜中雪里同风骨，君子原应聚一堂。
中国画注重思想层面的蕴含，注重意境的营造，它与纯绘画范畴之外的书法、诗词巧妙结合，形成中国画独特的艺术风格。然而，当今画坛能将诗、书、画融于一体的画家，尚不多见。特别是在高度提炼、以形写神、意境深远的传统中国画上，题写符合音韵的格律诗的人更是凤毛麟角。前不久“郑晓京画展”在北京举办，颇获好评，而其诗书画结合的艺术实践，尤其引人注目。
50多幅花鸟画精品，清新典雅，文人画气质鲜明，画上题写的格律诗更是让人印象深刻，真正达到了诗与画的完美结合，加之线条洒脱、自如凝重的书法，使每张作品情趣饱满、妙境无限，把观众带入古雅清幽的意境之中。
如，他为《菊花图》题诗：
幽怀甘伴野篱栽，哪管香寒蝶不来。
莫叹柔枝霜里弱，欣欣偏向冷秋开。
展现出在寒霜中独放的菊花不畏艰险、迎难傲世的精神品格。
又如，他为《钓鱼图》题诗：
不重鱼儿重养心，气闲神定似调琴。
一竿邀向风和雨，水绿山青已染襟。
寥寥几笔，即将观众带入山水之间，使其陶醉于意趣悠然的精神世界。
又如，他为《梅兰双清图》题诗道：
半辈营生画与诗，好诗多在叹花时。
薄襟渐有清清气，画过梅兰无数枝。
四时之花，各有特色，而梅之傲骨、兰之高洁是他精神的向往，诗中情，画中意，在为之倾情挥洒中，展现出画家高尚的品格与襟怀。
从郑晓京先生的题画诗中可以看出，先生的诗格律工稳、笔法娴熟、诗思深阔、意趣高远。同时，这样水准的题画诗也让他的画有了更深切的思想抒发和情怀寄托，从而更能打动人心。
郑晓京先生14岁师从陆如先生系统学习花鸟国画，在先生的引荐下，拜访许麟庐、胡爽盦、孙奇峰、白雪石等国画大师，耳濡目染大师们挥毫泼墨之程式妙法，聆听大师们畅叙国画艺术的奥妙精髓。他16岁时，追随诗词书法大家萧劳先生学写诗词，40多年笔耕不辍，积有作品数千首。在谈到诗词与国画的关系时，郑晓京先生认为，题画诗绝不仅仅是对画面的讲解说明，诗与画的结合也不是绘画与文学的双拼，而更像是画家抒发思想情怀的鸟之两翼，是画家为营造意境而运用的两种异曲同工的利器。从画的整体角度看，这些题画诗不仅使画面的主题更明确、更深刻，同时也丰富了绘画的思想内涵和精神，增加了表达维度，令人产生广阔的联想空间，让绘画语言本身也得到了更高层面的升华。
在中国画的发展历史中，题画诗在唐代就已蔚然成风，宋代文学大家的题画之作不但数量丰富，也与个人情感、思想、际遇息息相关，元代继承并发展唐宋文人传统，题画诗达到鼎盛，明代至清末民初，绘画从宫廷绘画之盛转向以文人画为主，绘画更多地成为文人寄托情思襟抱之物，题画诗也变得更自我、更注重对内心的关照，也更能反映出画家的思想品格。画上题诗不仅影响了中国画的发展方向和独特艺术风貌的形成，并且为传统的诗词创作开拓出诗画融合的新领域。
郑晓京先生对中国绘画史上很多题画诗的名篇进行过系统研究，从中领略诗画结合的精妙，并找到了自己的进取方向。他从“吾家洗砚池头树，点点梅花淡墨痕。不要人夸好颜色，只流清气满乾坤”（王冕《墨梅》）中体会梅之高洁；从“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”（徐渭《墨葡萄》）中感叹尘世之悲凉；通过“衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声。些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情”（郑板桥《墨竹》），体悟对百姓悲悯之情怀；从“高木西风落叶时，一襟萧爽坐迟迟。闲披秋水未终卷，心与天游谁得知”（沈周《自题山水画》）体会人与自然的天道高情。这些古画不仅是他临摹的范本，其中诗词亦是他研磨学习的教材。他认为，很多题画诗品格高贵、感人至深，对画面主题思想和情感境界的提升起到了至关重要的作用。他说：“如果这几幅画上没有这样的题画诗，其感染力则大为逊色了。”
当然，仅仅学习古人远远不够，更要走进时代生活，从身边万物中汲取营养和灵感。郑晓京先生很注重写生，对客观事物细心观察、深切感悟。春花秋叶、草木果蔬、鸟兽鱼虫，均是他摹画的题材，并从中找到情怀的寄托和寓意的表达。他认为，优秀中国画画家不仅仅要画艺精妙，在书法、文学、品格、情怀等方面也都应有更高的品评标准。出类拔萃的大画家一定同时是大诗人，比如米芾、倪瓒、唐寅、文徵明、金农等。但自徐悲鸿、溥心畬、齐白石、张大千这一代画家之后，具有东方绘画典型特征的题画诗创作实在鲜少。近年来有了可喜的变化，画坛中诗画结合的画家时有涌现，但所题写的诗有些貌似古体诗，却不符合诗词的格律，不仅失去了严谨与传承，还会对后人产生误导，以为五言、七言诗只要凑够了字数即可。其实任何艺术都是有界限和规范的，比如唱京剧用唱歌方法发声，就不能称为京剧。
从郑晓京先生的论述中可以看出，他对题画诗与国画的关系、诗的内容在画作中的作用，以及对于中国画题画诗的发展历程、对于中国画诗情画意的继承与发展，都有深刻的思考与研究，对自己的艺术创作方向也有清醒的认识。相信郑晓京先生会有更多诗画结合的好作品呈现。
